POV: eres un mural de @madmoiselle_marielle

ya no llores, tontita, no tienes razón
tus amigos no son los del mundo
porque te olvidaron en este rincón.

 —cri cri.

everyone
gets
lighter
everyone
gets lighter
everyone gets
lighter
everyone gets lighter,
everyone is light.

—john giorno.

no hay tema. si el mundo se acaba, nos queda el planeta; porque siempre vamos 

a poder transformarnos. pero tú no. tú eres gurú digital, tienes mucho que hacer

porque para ti, todo es "contenido". tienes un fuerte compromiso con el mundo.

tú-eres-la-onda-we. tú lo entiendes todo. desde adentro de ti, el mundo es mejor. 

eso dice tu ig. eres tú, el og de todo. tú. el avatar de ti. de tu tú. bendito sea tu cel.

además de ser cáncer, Madmoiselle Marielle (cdmx, 1995) es parte

de un movimiento de artistas ilustradorxs cuya inspiración directa es 

la realidad cruda y sus fenómenos emocionales. a través de ironías 

agudas y sarcasmos de poder, logra traducir los absurdos de la 

"vida real" en escenas narrativas y confrontantes. a pesar del 

tratamiento colorido y una aparentemente ingenua energía en sus 

ilustraciones, su trabajo está cargado de sentidos profundos y conceptos

muy intensos. ella retrata psicologías conceptuales; gestos, actitudes y 

complejos del actual tener-que-ser. lo hace desde la comprensión y el 

análisis de sí misma: su trabajo es el desarrollo narrativo de un vintage 

alter ego, que va siendo protagonista de situacionismos morales y 

contextos de la contemporaneidad. se revisa mientras nos revisa. sip, 

a todxs nosotrxs quienes la rodeamos. sus piezas son creaciones impulsivas

de lo observado, de lo socialmente descubierto. cuando te habla te investiga.

cuando te mira, te retrata. su obra nos recuerda que estamos atrapadxs en la

idea de que somos quienes queremos ser, y no: no es así. no somos lo que 

queremos ser. ¿lo peor? -que nunca sabremos ser. tú eres el arte, we.

luis ramaggio,

curador.

apuntes espectrales de una agenda imposible - Jorge Rosano Gamboa

lo nombras con miedo. lo invocas sin entenderlo. y sí: lo deseas. pero 

si lo explicas, desaparece. se esfuma en ti, y comienza a sentirse irreal.

para nosotros, la idea de un universo infinito suena más a un tema religioso,

o a un concepto cinematográfico, literario. a fondo negro con lucecitas. 

¿por qué?

para acceder a la lectura de algo que es tan grande y tan propio que se vuelve 

invisible, imperceptible y misterioso, se precisa -inevitablemente- de un 

desdoblamiento personal. de una entrega. se requiere de una sensibilidad 

motriz que rija el rumbo de tus decisiones, y las formas de tu entendimiento, 

pero sin lógica. porque así opera el universo: detraspordentro de TODO lo 

que existe. incluso de ti.

jorge rosano gamboa (méxico, 1984) es un artista peligroso. con los años, su trabajo ha

ido agudizando los procesos de registro y representación instalativa que a través 

de fuertes ejercicios de extremación material y una delicada configuración orgánica han ido plasmando piezas a las que poco les falta para ser "umbral" o "portal de acceso" a otras dimensiones sensitivas. jorge juega con el poder; el de la materia-como-lenguaje, el de nombrar-para-invocar, y el de la transmutación temporal. es -en estricto sentido- un hechicero; sus piezas son ejercicios procesuales que giran al rededor de un hecho silencioso que se oculta celoso bajo la cordura de la obviedad y la lógica, pero sin verbos. ahí, en su trabajo, la ausencia es un fruto orgánico, y el silencio un eco; recrea testimonios de lo presente a través de lo ausente. y aunque su obra pareciera ser un juego; no lo es. o sí, pero un juego espiritual. como el que juegan los dioses cuando duermen, o el de los niños frente a la maldad. 

el universo es un sistema 

de sentidos y energías: 

él las usa para cocinar su arte.

aquí presentamos una serie de trabajos documentales que tienen que ver con ese uso que jorge rosano le da a la fenomenología del universo. polvos geométricos y alusiones físicas de lo espiritual. otra vez, y buscando que se manifieste, lo invoca a salir de sí. le pone estructuras al silencio. cada pieza es el registro de una casuística orgánica: mitiga, remueve, seduce, revela y resignifica la materia. quiere que en el mirar su trabajo, abramos nuestros sentidos emocionales. quiere desconfigurar nuestra voz. quiere que dejemos de nombrar a lo pendejo. con cada pieza, se revela un mensaje pendiente; una moraleja. son apuntes cientificopoéticos. notas de campo. conclusiones miméticas. jorge nos quiere decir algo en clave. en el lenguaje de lo absoluto.

no mires la figura.

haz el viaje.

luis ramaggio, curador.

you name it with fear. you invoke it without understanding it. and yes: you desire it. but if you explain it, it disappears. it vanishes within you, and starts to feel unreal. to us, the idea of an infinite universe sounds more religious, or like a cinematic or literary concept. tiny lights on a black backdrop. why?

to read something that is so large in itself that it becomes invisible, imperceptible, and mysterious, you must – inevitably – go through a personal unfolding. a surrender. a moving sensitivity that guides the path of your decisions, and the ways of your understanding, but without logic. because that is how the universe operates: behindwithin everything that exists. including you.

jorge rosano (mexico, 1984) is a dangerous artist. throughout the years, his work has increasingly emphasized documentation and installative representation processes that, through tough material extremation exercises and a delicate organic configuration, have been portraying pieces that could be said to approximate a “threshold” or “access portal” to other sensitive dimensions.

jorge plays with power; the power of matter-as-language, the power of naming-to-invoke, and the power of temporary transmutation. he is – in a strict sense – a sorcerer; his pieces are processual exercises that revolve around a silent fact that hides jealous behind the sanity of obviousness and logic, but without verbs. there, in his work, absence is an organic fruit, and silence is an echo; it recreates testimonies of the present through what is absent. and although his work seems like a game; it is not. or it is, but a spiritual game. like the one played by gods when they sleep, or a child’s when facing evil. 

the universe is a system

of senses and energies:

he uses them to cook his art.

here we present a series of documentary pieces that relate to the use that jorge rosano gives to the phenomenology of the universe. geometric dusts and physical allusions of the spiritual. again, and looking to manifest it, he is invoked to leave himself. placing structures on silence. every piece is the documentation of organic casuistry: mitigating, removing, seducing, revealing, and giving new meaning to the matter. he wants us to open our emotional senses as we observe the work.

he wants to disconfigure our voice. he wants us to stop naming haphazardly. with each piece, a pending message is revealed; a moral. these are scientificpoetic notes. field notes. mimetic conclusions. jorge wants to tell us something in code. in the language of the absolute.

don’t look at the figure

take the journey.

luis ramaggio, 

curator.

Las orígenes del saber / Soróboras del todo - Sofía Echeverri y Vero Anaya

Soróbora: Es un neologismo que nace femenina y se construye a partir de las pa- labras sororidad, alianza entre mujeres y uróboros, serpiente que se muerde la cola símbolo de alimento, purificación, de los ciclos eternos de la vida.

le llamamos "todo" a la suma de fuerzas naturales que conforman las realida- des del existir. si algo existe, es porque se engendró desde la poderosa fuerza de lo original, de lo interior. sí, o sí. así es el universo, así es como nace todo: desde el poder-ser.

esta exposición opera como un "ritual mental" para quienes tienen la voluntad de entender-ser y de mirar-hacer. en un dinámico ejercicio invocativo, sofía echeverri (pintora. guadalajara, 1971) y vero anaya (ilustradora. oaxaca, 1989) verbalizan este diálogo creativo basado en la conjugación técnica y conceptual de ambas disciplinas artísticas. en una narrativa pausada, las piezas van construyendo un trance cromático que nos transporta suavecitamente a las dimensiones simbólicas del poder del universo: esa fugacidad que abriga lo distante, el calor de lo espectral y las formas materiales de lo femenino, de lo profundamente original.

encarnados en una familia de personajas esenciales, esos poderes
naturales del todo, se reflejan en acciones sublimes: la mirada, la salud, el tiempo, lo lunar. son señoras y son orígenes. son sin tiempo y son verdades encarnadas. siempre han estado ahí. por eso las invocamos; para entender querer. para recibir este aleccionamiento cósmico que el universo nos baja constantemente en diferentes formas e intensidades: hoy, en forma de expo- sición, de destino (estás aquí-ahora). para aprender cosas, para cambiar y mejorar. para mirar sin despreciar, para saber sin excluir, para querer sin lastimar.

porque, we... existimos para compartir.

luis ramaggio, curador.

¿y qué vamos a hacer con lo que somos? Construir Aquelarres - Sofía Weidner

Tendríamos que aprender a olvidar. A despertar sin querer, o 

a mirar sin nombrar. Porque así como somos ahora; culturales

y moralizantes, no lo lograremos. Hay que invocar el poder;

desde adentro. Pon atención.

Sofía Weidner (CDMX, 198_) presenta este ensayo plástico sobre

la anatomía del sentir y los raros flujos del poder-personal. En una revisión

casi narrativa, sus piezas nos guían por las diferentes dimensiones del 

ser-una-misma. Los embates de la identidad, la memoria, el consumo,

el consumo del ser, y la epopeya del género revelado. Como buscando 

complicidad con el espectador, las piezas van espejeando nuestras emociones

y convenciéndonos de que todxs somos vulnerables de sentir-más. 

Podría decirse que su trabajo es una plástica de conceptualidad orgánica. Porque

a través de suaves tratamientos en la forma, Sofía logra conmover las partes 

duras de nuestro pensamiento: coloca en nuestra mirada una semilla filosófica,

un pequeño grito que se esconde entre la lógica y la responsabilidad humanas.

Sofía es una entrenadora de almas. Lo complejo de su trabajo no está en la obra:

está en ti.

luis ramaggio, curador.

EVERY WALL IS A DOOR - Raúl Cordero

el universo sabe que lo ignoramos, no para ser felices, sino para olvidar que no nos quiere.

EVERY WALL IS A DOOR

intervención de sitio y disertación gráfica de Raúl Cordero.

entenderlo es importante: hay demasiada humanidad. todo lo que existe (y algunas cosas que no) está sometido a una inevitable tendencia; la humanificación. como una trampa, la humanidad lo captura todo; sabores, dioses, ideas, fenómenos, animales, lugares, sonidos, poderes, pensamientos, formas. todo lo conceptualiza, lo clasifica. como humanos, nos apropiamos de todo lo que entendemos. una compulsiva necesidad de significar-para-nombrar (o viceversa) hace que los humanos adoptemos la postura del poderoso señalador universal, o la del absoluto experto en existencialidades. la manía por ejercer el juicio y dictaminarlo todo, asfixia. satura la verdad, la pervierte. la enfría. 

¿de qué está hecha la verdad?

-de realidades.

raul cordero (la habana, 1971) es un artista poderoso. no solo porque su obra tiene la capacidad de evocar sin conceptualizar, sino porque en cada pieza suya coexisten dimensiones y sentidos de naturalezas invisibles, que normalmente yacen silenciosas bajo nuestra necia comprensión cultural de todo lo que nos rodea. en un ejercicio deconstructivo –casi químico– raúl logra devolver a las cosas que retrata, esa imagen sustancial, energética, perdida en la conceptualización y en el querer nombrarlo todo. 

¿para qué?

-para mirar sin nombrar.

en una versión semiótica de la imagen y buscando re-educar la percepción, raúl invoca una cierta "tensión lógica" capaz de hacernos sentir lo que miramos, desear no entender, o a través de la mera observación, levitar.

sus piezas devuelven a la imagen su valor esencial, su posición dimensional, y su actitud existencial. porque todo lo que existe, importa.

la consciencia es, primeramente, un visor de materialidades. los conceptos vienen luego. o así debería ser. porque saber-que-sabemos delata nuestro paradigma natural: percibimos sustancias. somos sustancias.

¿somos lo que sabemos? 

para raúl, las cosas son resultado de muchas energías confluyentes, y de muchos mundos invocados. él, en su ejercicio, hace que las cosas existan para sí mismas. retrata el lado espectral de todo, porque entiende que la interioridad no es física, sino emocional. los conceptos son paredes. 

¿y las paredes?

luis ramaggio, curador.

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Conocido por sus grandes pinturas de imágenes borrosas y textos formados por puntos, así como por su incansable investigación sobre la estructura y el lenguaje en el arte, Raúl Cordero (La Habana, 1971) representa la versión más “internacional” del arte Cubano. Elementos que emergen de sus pinturas se convierten luego en instalaciones de texto, esculturas y videos, entre otros medios usados por este artista; quien a lo largo de los años ha creado un universo muy personal que conecta tradiciones estéticas como la pintura posterior a la invención de la fotografía y el arte conceptual basado en el texto.

Master en Artes Visuales por la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam, ha residido en Europa y los Estados Unidos de America hasta el año 2010, cuando se naturalizó Mexicano. Vive y trabaja en la Ciudad de Mexico. Su trabajo se puede ver en colecciones públicas y museos como el Musée National D’Art Moderne Centre Pompidou en Paris, Francia; Los Angeles County Museum of Art (LACMA), The Museum of Contemporary Art in Los Angeles (MOCA), The Museum of Contemporary Art San Diego, The Pérez Art Museum Miami (PAMM) and the Museum of Art Fort Lauderdale, en los Estados Unidos de America; El Museo Nacional de Bellas Artes en La Habana, Cuba; The Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (SMAK) en Gent, Bélgica; El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) y el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) en España, entre muchos otros. Raúl Cordero es representado por Mai 36 Galerie, en Zürich, Suiza. 

Harmony Pop; City Unfolded - Alexander Bühler

espíritus conceptuales: eso (nos) son los colores. que aunque su

naturaleza pertenece a divertidos fenómenos naturales, todos

nosotros -los vivos- percibimos sus presencias con mucha mayor

predisposición, y juicio. para nosotros, los colores son dimensiones

de sentido, energías-lógicas que anuncian la presencia activa de un

significado, o de algún rumbo simbólico. pero no, humano; en

realidad no es así. los colores son síntomas consecuentes de las

infinitas conductas de la luz y sus necias transformaciones. nuestra

percepción y sed de espiritualidad son las que construyen esa

extraña simbiosis emocional con ellos. y está bien, está rico que sea

así. en el ejercicio de mirar, los colores se disfrazan de pureza y nos

hacen olvidar que dentro de sí mismos habitan otros tantos, colores.

en la misma lógica constructiva (y deformativa) del lenguaje, los

colores se van perturbando entre sí. intercambian signos, nombres y

a veces, sentido. como en la música, la acentuación es inevitable: se

aglutinan, se opacan y se fugan, si los dejas. si los deja el ojo.

algunos humanos piensan en colores, otros humanos se los comen,

otros los niegan. otros los sufren. hay quienes también, los asumen,

los encarnan. los que más miedo me dan, son los que -sin permiso

de dios- los crían...

alexander bühler (zurich, 1977) es un artista cuyo ejercicio

profesional va mucho más allá de la forma y el discurso; en su

trabajo, la transformación sensorial, la mutación obligada de los

conceptos, y la estimulación del pensamiento esencial son

evidentes. como un hechicero de lo mental, crea piezas que terminan

por resignificar las cosas desde el transe emocional, y nunca desde

la pauta racional.

aquí, alexander está conjugando -no las formas y los colores- sino el

rigor de la obervación natural. quiere que al mirar, derramemos

tiempo. para que sin saberlo, algunos colores se nos suban a la

cabeza y nos hagan olvidar con voluntad, o nos empujen al sano

trastorno de la libertad mental. que miremos colores-sin-nombre, que

busquemos voz en la forma, que aprendamos a "pensar de reojo" y a

saltar con el espíritu.

¿para qué?

–para no saber.

luis ramaggio. curador.

Paisajes por decir - Danay Vigoa

las ideas son esos espíritus

mentales que te persiguen

siempre que tú –ingenua–

insistes en buscar

conceptos.

piénsalo: las palabras son peligrosas. tienen poderes absolutos y muy

agudos. cuando una palabra es pronunciada, el cerebro sucumbe

subordinadamente para de inmediato generar una imagen. y peor, cuando

nos paramos frente a una imagen, el cerebro -irremediablemente- genera

palabras en la mente. pfff. la razón humana, las emociones, y todos los

aparatos sensibles a los que podemos apelar, caen en el rigor infame de las

palabras. son como armas-simbólicas o espías semánticas. ¿y si tuveran

vida propia?

imagina tu vida sin palabras; el mundo sin palabras. imagina todo lo que

harías para comunicarte -y expresarte- sin palabras. hazlo. seguramente

todo eso que hoy está encerrado en la literalidad y la gramática, deseprtaría

en forma de aullido, ruido interior, movimiento corporal, brillo, o alguna de

esas cosas que en la naturaleza sí son importantes, y verbales.

las palabras son enlaces de letras; las letras son símbolos que representan

sonidos; los sonidos son estructuras fonéticas que asumen frecuencias

vibracionales. muy pinche sofisticado. y no.

danay vigoa (cuba, 1982) es una artista conceptual, cuyo proyecto creativo

está enteramente comprometido a la descodificación moral del valor

simbólico en las palabras y sus letras. en su obra habitan diferentes tipos

de arrebato inspirativo; la desproporción como un signo decorativo, el

contraste como un indicador de pureza, el caos como perspectiva, la

figuración como ironía, el volumen como trazo, y la textualidad como

paisaje.

ella se burla de literalidad, la embiste. como una niña curiosa, o como quien

simula hablar un idioma que no domina. su búsqueda es justo esa, la de

transformar palabras en imágenes, y viceversa. quiere abrir una puerta

difícil y no cruzarla; dejarla así. tal vez quiere enseñarnos un braille

emocional. recordarnos que somos más que aparatos lingüísticos, y que

podemos ser, más que decir.

anda, pronúncialas para que salgan de sus estuches. pero no las entones.

déjalas ahí, y observa cómo se desdibujan, se arrepienten. y no las

escribas: dibújalas. pero no dejes que se junten, porque se pueden volver

paisaje; como este.

luis ramaggio. curador.

#somosdeaquí - Luis Safa

¿Tu verdadero hogar? - La Memoria.

El 19 de septiembre, un poderoso invisible nos hizo recordar varias cosas:

Que vamos a morir.
Que la realidad es endeble.
Que llorar es bueno.
Que respirar es importante.
Que el suelo es sagrado.
Que el otro nos necesita, siempre.

Actores invisibles como la moral, el derecho, la fuerza, el dolor y el miedo, se apoderaron de nuestros días. Nos habló la oscuridad. Cada uno de nosotros se confrontó a su sí mismo, revisando inevitablemente nuestra respectiva identidad, y nuestro centro. Ya pasó.

El principal protagonista de ese evento, fue el espíritu de comunidad. “Comunidad” entendida como esa fuerza en movimiento que genera unión, y cierta igualdad. Que nos rige. Que está en todo, en todas partes.

Todo existe en comunión; Aunque no te guste.

luis safa (chihuahua, 1986) propone otro derrumbe; el de la estupidez. en un acto de mucha decisión creativa, y entregado sin filtros a la revisión del “problema”, este creador avanza con una fuerte acción declaratoria: nuestra identidad está en lo que somos cuando estamos juntos. así, una serie de rostros anónimos-pero-presentes van tejiendo (como elementos discursivos) una sensación de familiaridad natural, en el mirar-al-otro. porque según él, estar aquí en un mismo espacio, nos hace familia, y viceversa. dos intervenciones murales (una exterior y otra interior) y una serie de dibujos integran la lectura de safa; afuera en el costado de nuestro edificio un precedente histórico-incómodo pero poderoso, un sello monumental que recuerda que AQUÍ pasó algo. adentro, una colección de momentos que describen situacioncitas humanas que todos vivimos durante el sismo y sus problemas, realizados a manera de “instantáneas meméticas” que nos confrontan a las diferentes lógicas y razones post-temblor. nos piden –cada una a su modo y desde su sentido- renunciar a la estupidez y a los vicios de la obviedad. componernos, recuperarnos, mirar atrás, “y así”. por último en el patio interior, un mural narrativo que colecciona todo: el sentido, la eventualidad, el absurdo, la noción. de todo este desmadre: ser, estar y poder. juntos.

luis ramaggio. curador.